La experiencia estética en el arte.

De Wikillerato

La experiencia estética artística supone una gran complejidad. Por un lado está el artista o creador que, a pesar de su independencia o genialidad, vive en un contexto cultural y en una época histórica que le influye y modela su gusto personal. Este contexto es tan importante que en ciertos momentos produce en el artista un rechazo de las convenciones o del gusto de la época. Es el caso de los movimientos vanguardistas de principio de siglo en la pintura: impresionistas, expresionistas, surrealistas, pintura abstracta etc. Podemos pensar sin ir más lejos en Vincent van Gogh (1853 - 1890), que pasó desapercibido en su trágica existencia y, sin embargo, es uno de los pintores modernos que ha sabido llegar más profundamente a la sensibilidad contemporánea con su expresión de la lucha interior y la búsqueda angustiosa de Dios y de la luz, ofreciéndonos un enorme goce estético.

Si tomamos a la música como ejemplo, podemos preguntarnos, ¿cómo es La Pastoral de Beethoven?, ¿existió sólo en su mente? Dado que cada interpretación de la partitura es distinta, ¿hasta qué punto cada oyente participa en la recreación de esta obra?

Otro problema que se plantea es la falta de conciencia de algunos artistas cuando realizaron sus obras, como el grupo musical en boga en los años 70 del siglo xx, Pink Floyd cuyas creaciones se producían bajo los efectos de las drogas; o el caso de Bob Dylan o algunas composiciones de los Beatles.

El mismo caso en pintura lo representa el pintor norteamericano Jackson Pollock (1912 - 1956) que al utilizar la técnica del dripping (goteo), chorreaba pintura sobre la tela al azar, o paseaba sobre ella en bicicleta.

Por supuesto, nadie discute el llamado derecho a la propiedad artística e intelectual - derecho de autor - sobre su propia obra. También está relacionado este tema con el de las falsificaciones como delito que debe ser condenado.

De modo que el contexto cultural e incluso el azar - como acabamos de ver -, intervienen en la producción de la obra de arte. El contexto cultural influye poderosamente a la hora de aceptar una producción artística como obra de arte. Por ejemplo, el rechazo de los críticos ante la pintura impresionista, que posteriormente fue considerada un avance y punto de partida de la pintura futura.

Según esto deberíamos cuestionarnos la autoridad de los críticos; quizá ellos mismo deberían ser tratados en forma crítica.

A menudo es muy válida la queja de los artistas verdaderos ejecutores de la obra de arte, de que tales personas - los críticos - son parásitos sin talento creativo, como afirma el famoso dicho de Bernard Sow, "el que puede lo hace, el que no lo enseña"

Ahora bien, la obra de arte no es sólo expresión de la belleza, de la Idea, del Espíritu o de Dios, sino que tiene también una dimensión comunicativa o dialogal.

El arte es el lenguaje de lo que resulta difícil expresar de otra manera. En la contemplación de la obra de arte, el espectador se comunica con el artista y su mundo objetivado. En este sentido los críticos son los traductores de una lengua a otra y, por tanto, tienen la posibilidad de acertar o de equivocarse.

Es esta dimensión dialogal la que permite nuestra valoración y la formación de juicios estéticos.