Cubismo

De Wikillerato

Revisión de 23:22 21 ago 2011

El Cubismo, creado por Pablo Picasso y su compañero George Braque, es uno de los movimientos artísticos de vanguardia más importante del siglo XX. Surge en Francia entre 1907 y 1914 y se extiende posteriormente por todo el mundo.

La pintura cubista

El Cubismo se inició en 1907, fecha en la que Picasso pintó Las Señoritas de Aviñón.

Características

El Cubismo se inspira en los postulados artísticos de Seurat y de Paul Cézanne que había encontrado planos en objetos reales que había usado para establecer una estructura de la forma a través del color. Los cubistas impondrán su propia estructura de planos monocromáticos sobre el objeto con el fin de lograr una comprensión más profunda de la realidad.

El Cubismo romperá con la idea tradicional del arte como representación de la naturaleza. Su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y simultánea de los objetos que serán representados como se sabe que son y no como parecen ser, de forma simultánea en múltiples planos. Pueden ser vistos desde diferentes puntos de vista, en vez de un único punto de vista fijo, acabando con la perspectiva tradicional. Los artistas cubistas pintaban superficies planas, la perspectiva dada a la obra era aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos.

Las formas simples y geométricas dominan en las composiciones- cubos, cilindros, esferas. En ello se observa la influencia de las esculturas primitivas y africanas.

Los cubistas se despreocupan del tema y del color. El color fue virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los principales temas serán bodegones, retratos, y ocasionalmente paisajes.

Etapas del Cubismo

Se distinguen dos fases en el desarrollo del Cubismo. La analítica y la sintética.

Cubismo Analítico

Es la etapa de 1910 a 1912 caracterizada por la descomposición de las figuras en múltiples planos, que muestran una estructura a menudo piramidal. Los colores son fríos y serenos, predominando los suaves tonos marrones y verdes. Los temas generalmente son músicos, instrumentos, periódicos

Cubismo Sintético

En 1912 surge el Cubismo sintético en que los pintores ya no buscaban desintegrar el objeto sino rehacerlo en su forma esencial. Las gamas de color son más ricas. Se inventó la técnica del collage- de la palabra francesa coller (pegar con cola)- al introducir en el cuadro materiales diversos (papeles, telas, cristal, arena etc.) a veces combinados con zonas pintadas.

Representantes

'Naturaleza muerta con guitarra, de Gris

El principal pintor del Cubismo es Picasso, cuya extraordinaria figura merece ser estudiada en un capítulo aparte. Otros grandes pintores cubistas fueron:

• Georges Braque (1882-1963) es junto a Picasso es el otro creador del cubismo. Su pintura era muy similar a la del malagueño como se ve en La portuguesa (1911). Pintó paisajes (L' Éstaque) y muchos bodegones con instrumentos musicales guitarra, el violín o la mandolina El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo. En Naturaleza muerta con naipes reduce el color a grises y ocres y descompone las formas. También introducirá en sus pinturas los collages.
• El español Juan Gris (1887-1927) se mantuvo fiel al cubismo sintético y coloreado. Estaba interesado por la estructura rigurosa de sus composiciones, muy simplificadas. Pintó muchos bodegones con botellas, fruteros, periódicos, pipas, e instrumentos musicales, que se identifican con facilidad. En su paleta predominan los grises, ocres y verdes. Ejemplos: Naturaleza muerta sobre una silla, Violín y guitarra y Guitarra delante el Mar (1925)
• La pintora española María G. Blanchard (1881-1932) instalada en París desde 1909, se vinculó al Cubismo debido a su amistad con Juan Gris. Su pintura se caracteriza por un uso muy personal del color (Naturaleza muerta cubista). Más tarde evoluciona hacia la figuración, con personajes melancólicos y tiernos, generalmente niños (Madre e hijo, Maternidad).

El Cubismo se extendió rápidamente, descomponiéndose a partir de 1920 en una gran variedad de estilos personales, entre los que destacan Fernand Leger (1881-1955) que incorporó la maquinaria moderna en sus telas, de vivos colores y grandes formas geométricas de aspecto tubular (Los acróbatas, Los constructores) y los rusos Robert Delaunay (1885-1941) y su mujer Sonia Delaunay (1885-1983), establecidos en Paris y creadores de una variante conocida como Cubismo órfico u Orfismo. Querían dotar de movimiento a los cuadros cubistas como en Discos, de brillante color. Llegarán a la abstracción en 1912 con Formas circulares cósmicas.

El Cubismo tuvo gran difusión internacional. En Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tend

La escultura cubista

Características

El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por la simultaneidad de perspectivas por la intersección de volúmenes, la descomposición de formas y la nueva valoración de los materiales y su ensamblaje. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico.

Representantes

Muchos pintores cubistas se dedicaron también a la escultura. Entre ellos destacan: Pablo Picasso que después de hacer esculturas siguiendo modelos postrodinianos (Cabeza de arlequín) aplicó en 1909 los esquemas formales del Cubismo en su Cabeza. Realizó los primeros relieves cubistas a base de madera y cartón pintados, ensamblando diversos materiales. Después incorporó el hierro a sus esculturas para hacerlas más expresivas aunque siempre pervivieron elementos cubistas. Entre sus últimas obras sobresalen El hombre del cabrito, El Gallo y La Cabra, de 1950.

Braque hizo algunas esculturas aisladas, mostrando su interés por lo táctil y las ilusiones volumétricas. Juan Gris modeló un encantador Arlequín en yeso, que luego pintó, de planos y volúmenes entrecruzados. Amadeo Modigliani fue también un magnífico escultor cercano al Cubismo. Aprendió a tallar con Brancusi y estaba fascinado por el arte africano. Se introdujo en el análisis espacial cubista.

Entre los grandes escultores cubistas destacan:

Mujer Peinándose, de Archipenko

El ucraniano Alexander Archipenko (1887-1964) fue un escultor muy original. En 1908 se trasladó a París donde entró en contacto la vanguardia artística y tuvo su propia escuela de arte en 1912. Sus esculturas, a menudo pintadas, estaban fragmentadas en volúmenes simples y geométricos y por primera vez los huecos o espacios vacíos formaban parte de ellas (Mujer peinándose, Gondolero). Utilizaba materiales diversos. Ensamblando piezas realizó en 1914 “esculto-pinturas”. Ejerció una gran influencia en EEUU, país al que emigró en 1923.

El lituano Jacques Lipchitz (1891- 1973) se instaló en París en 1909 y en 1914 se unió al cubismo (Marinero con guitarra) construyendo con chapas y jugando con líneas de gran pureza, quebradas y diagonales. Más tarde comenzó a experimentar con formas más abstractas (Mujer recostada con guitarra). Paulatinamente su escultura se hizo más monumental y primitiva. En 1941 se instaló en Nueva York; su monumental Paz en la Tierra es de 1967-1969.

Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) formó parte del grupo cubista francés la Section d ´Or. Se interesó por la abstracción y por el movimiento de la figura, jugando con el lleno y el vacío. Su obra más conocida es El caballo.

Henri Laurens (1885-1954) transpuso la pintura del cubismo sintético al espacio en tres dimensiones, elaborando piezas policromadas ensambladas en madera y metal y esculturas exentas de piedra con formas geométricas muy simplificadas y estilizadas, con un estilo lleno de sencillez, serenidad y gracia. Su tema preferido era la mujer (Mujer con guitarra, Mujer del abanico).

En la escultura en hierro descollaron dos artistas españoles, Gargallo y González.

Academia, de Pablo Gargallo

Pablo Gargallo (1881-1934). Su padre era herrero y aprendió la técnica de la forja. Sus primeras obras pertenecen al Modernismo. En 1903 marchó a París donde conoció a Picasso y asimiló los postulados estéticos del Cubismo. Gargallo utilizaba las chapas metálicas recortadas, jugando con las formas para sugerir volúmenes y exaltar los vacíos, que daban lugar a contrastes de luz. Se interesaba también por el movimiento. Entre sus obras destacan Danzarina, Máscara de Kiki, retratos de Picasso y de Greta Garbo y la extraordinaria El Profeta de 1933, obra de hierro que presenta rasgos del Expresionismo por su dramatismo.

Julio González (1876- 1942) realizó pequeñas obras de orfebrería modernistas en el taller de su padre. En 1900 se trasladó a París y a partir de 1927 sólo se dedicó a la escultura en hierro con tendencias cubistas. Utilizaba las técnicas de la forja, el repujado, las chapas recortadas y la soldadura autógena. En la década de los 30 irá abandonando sus referencias a la figura humana (Mujer peinándose) y caminando hacia la abstracción (Maternidad, Hombre cactus) volviendo en ocasiones a la figuración naturalista como en su dramática y expresiva Montserrat realizada en planchas de hierro para la Exposición Internacional de París de 1937.

Enlaces Externos

Vídeos

• Arte Cubismo, vídeo con imágenes de obras pictóricas.

• Cubismo, Futurismo, Arte Pop, Neofiguración